TEMAS Y SUBTEMAS
1.-
EL ROMANTICISMO MUSICAL AL PRINCIPIO DEL SIGLO XIX.
GENERALIDADES. PANORAMA HISTÓRICO.
LA ÓPERA, ESTILOS Y PRINCIPALES AUTORES EN FRANCIA Y ALEMANIA.
GIACOMO MEYERBEER.
CARL MARIA VON WEBER.
LA ÓPERA ITALIANA. GIOACHINO ROSSINI. GAETANO DONIZETTI.
VINCENZO BELLINI.
EL LIED. ESTRUCTURA Y ESTILO.
FRANZ SCHUBERT SU
MÚSICA.
LIEDER.
MUSICA INSTRUMENTAL:
PIANÍSTICA.
DE CÁMARA.
SINFONÍAS.
El Romanticismo |
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El Romanticismo
A finales del siglo XVIII hasta el siglo XIV se da un movimiento cultural el cual comienza en Alemania e Inglaterra y se va extendiendo por toda Europa. Dicho movimiento sobrepasa los límites cronológicos establecidos y se extiende hasta nuestros días. |
 La Mujer y la Serpiente |
 Las matanzas de Scio (1824)Eugene Delacroix |
El Romanticismo se puede definir como un movimiento que da un grito de libertad, el cual posee un espíritu rebelde que va a luchar contra las diversas corrientes racionalistas, las cuales tratan siempre de menospreciar todo lo que no puede ser controlado al igual que contra el neoclasicismo, que trata de coartar la libre expresión, oponiéndose así a la observación de lo real. La naturaleza, representa el estado primitivo del ser humano y la revelación del misterio de Dios. En las primeras manifestaciones, el romanticismo se va a dar como un movimiento religioso, el cual revela la fe y la idea de la existencia de un más allá, inseparable al alma humana. A pesar de ello se evidencia una contracción en su carácter individualista y sentimental, que reacciona ante cualquier disciplina y credo concreto. |
Concepto e influencias históricas
La palabra “romántico” se deriva del inglés “romantic”, lo que traduce como Novelesco. Dicha palabra fue usada por primera vez en Inglaterra durante el siglo XVII. En este movimiento se puede encontrar una admiración hacia los fenómenos más fuertes de la naturaleza como cataratas, tempestades, el mar; una fascinación por lo esotérico, así como la creencia en fantasmas y vampiros. Dentro de dicha corriente también se da un interés por la literatura y la arquitectura medieval, esto hace que su imitación se prolongue hasta finales del siglo XIX. El movimiento romántico abarca casi todo el siglo XIX; pero su mayor apogeo se sitúa entre 1825 y 1875. El movimiento en general se caracteriza por una nueva adopción y reinterpretación de lo clásico y gótico, más que por un estilo propio. |
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El artista romántico puede ser considerado individualista, apasionado y
creador espontáneo por naturaleza; de la manera más esencial e íntima, toda
norma le resulta profundamente desagradable. Se dice que el romanticismo es
en realidad una manera de sentir mucho mas que una simple elección de un
tema; es por ello que este sentimiento se percibe subjetivamente.
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 La balsa de las Meduzas (1819)Théodore Géricault |
 Juana la Loca (1848-1921)F. Pradilla Ortiz |
El romanticismo deja de un lado la inspiración en la Grecia y la Roma
clásica, así como también huye del realismo trivial y de la pura belleza
exterior para buscar el movimiento interior. Esta expresión interna
generalmente se manifiesta en lo sentimental, así como muchas veces en lo
fúnebre y en lo negativo. El artista trata de captar el paisaje propio por lo
que se identifica con él exaltándolo y mostrando asimismo una tendencia hacia
lo arcaico, lo que le da cierta melancolía.
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Este movimiento históricamente es más propio de los pueblos germánicos,
por lo que en los demás países sólo adquiere tonalidades propias de cada
espíritu nacional. En general, reviven aspectos de la Edad Media, que fueron
censurados por los neoclásicos. Así mismo los ideales cristianos motivan a
los escritores, y los paisajes melancólicos, ruinas, y tierras exóticas, son
descubiertos por el artista romántico. En la mujer descubren no sólo el
cuerpo bello, sino también el espíritu hermoso, por eso los artistas
románticos la tratan con toda consideración.
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 La catedral de Salisbury (1830) William Turner |
Características más importantes del romanticismo
En Francia o en España se suele distinguir un romanticismo de apariencia
católica y nacional de otro más liberal y materialista. El Romanticismo en
España es la expresión artística y literaria del pensamiento liberal, penetró
por primera vez en 1820 y alcanzó su máxima importancia entre los años 1830 y
1840, esta fue una década marcada por la vuelta del exilio de muchos
liberales tras la muerte de Fernando VII. En esta época ya se habían recibido
influencias del Romanticismo francés tardío sin seguir los modelos ingleses y
alemanes.
Mariano José de Larra (1809-37) fue su máximo exponente y el espíritu romántico se dejó sentir todavía a finales de siglo a través de la poesía del Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) y, de manera parcial, en el drama grandilocuente del primer ganador español del Premio Nobel, José Echegaray. Durante la segunda mitad del siglo la exaltación romántica de los valores nacionalistas estimuló la aparición de las culturas regionales. En Cataluña, se restablecieron los Juegos Florales y Rubio i Ors, Verdaguer (L´Atlàntida yCanigó) y Guimerá (Terra baixa y Maricel) iniciaron un renacimiento lingüístico y literario catalán (la Renaixença). De un modo similar, Nicomedes Pastor Díaz puso las bases para el renacimiento de las letras gallegas, que producirían dos figuras de excepción: Rosalía de Castro y Curros Enríquez.
En el último tercio de siglo, el movimiento romántico encontró su
contrapartida en la prosa realista relacionada con el costumbrismo, el
retrato de costumbres y usos; Fernán Caballero, Alarcón y Pered fueron los
mayores exponentes. En el teatro, hubo autores prominentes como el
sofisticado escritor de comedias Tamayo y Baus y Ventura de la Vega, autor de
sainetes (farsas en un acto) y libretos para zarzuelas. Las dos grandes
figuras de este período fueron Juan Valera (1828-1905) y Benito Pérez Galdós
(hacer link con T14img5c)(1843-1920). Galdós, padre de la novela
contemporánea, recreó la historia mundial de los 70 años anteriores en sus Episodios
Nacionales.
LA OPERA
A
diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada.
Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera,
como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la
Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas
variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales
les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras
entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros
del teatro musical, se une:
la música (orquesta, solistas, coro y director); la poesía (por medio del libreto); las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza; las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura); la iluminación y otros efectos escénicos; el maquillaje y los vestuarios. La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la Mascarada, la Ópera de baladas, la Zarzuela y el Singspiel que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart se consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die Dreigroschenoper (la Ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son las ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la Zarzuela, la Opereta, el Singspiel y el Musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal.
La
palabra opera significa "obras" en italiano (es el plural de opus,
del Latín, que significa "obra" o "labor") sugiriendo que
combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en
un espectáculo escénico.
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales). Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi" o "Camerata Florentina". Significantemente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Dafne se halla perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.
GIACOMO MEYERBEER.
Nació
el 5 de septiembre de 1791 en Berlín (Alemania).
Fue alumno de Karl Friedrich Zelter y del organista alemán Abad Georg Joseph Vogler. En 1815, Meyerbeer se radica en Venecia, ciudad donde adoptó el estilo melódico del compositor italianoGioacchino Rossini. Compuso 6 óperas al estilo italiano, entre las que destaca Il Crociato in Egitto(1824) estrenada en la Fenice de Venecia. Dejó de componer durante algún tiempo y se trasladó a París para estudiar la ópera francesa. Los temas eran más cultos, por lo general de tipo histórico. En sus últimos años asociado al libretista Eugéne Scribe, Meyerbeer compuso 6 óperas francesas, entre las que destacan Robert le diable (1831), Les Huguenots(1836), Le Prophète (1849) y L'Africaine (1865), que le valieron su consagración y la de este género en Europa. Giacomo Meyerbeer falleció en París el 2 de mayo de 1864. Obras seleccionadas Óperas Jephtas Gelübte Wirt und Gast Das Brandenburger Tor Romilda e Costanza Semiramide riconosciuta Emma di Resburgo Margherita d’Anjou L'Almanzore L'esule di Granata Il crociato in Egitto Robert le diable Les Huguenots Ein Feldlager in Schlesien Le prophète L'étoile du nord Le Pardon de Ploërmel L'Africaine Música sinfónica Quatre Marches aux flambeaux (1846) Fackeltanz (1853) Schiller-Marsch (1859) Obertura en forma de marcha, para la Exposición de Londres (1862) Marche du Couronnement, para la coronación de Guillermo I, rey de Prusia Sinfonía concertante para piano, violín y orquesta Extracto sinfónico en Re para pequeña orquesta Música de cámara Quinteto para clarinete (1813) Fantasía para clarinete y cuarteto de cuerda (1839) Música vocal Gott und die Natur, cantata (1811) Festa nella Corte di Ferrara, cantata (1843) 12 Psaumes de dos coros a capella Miserere Stabat Mater Te Deum 18 Canzonette di Metastase Suleika Hor ich das Liedchen klingen Die Rose, die Lilie, die Taube Komm, du schones Fischermadchen Luft von Morgen Der Garten des Herzens Fruhling im Versteck Le ricordanze Il nascere e il fiorire d'una rosa Ballade de la reine Marguerite de Valois Der Garten des Herzens Sur le balcon La folle de St Joseph Nella Mina La dame invisible Rachel a Nephtali Le bapteme Chant de mai Scirocco Música de escena Struensee (1846)
CARL MARIA VON WEBER.
Nació el 18 de
noviembre de 1786 en Eutin, cerca
de Lübeck, Alemania.
Estudió con el compositor austriaco Michael Haydn, hermano de Joseph Haydn. Con tan solo 13 años debuta como pianista y escribe su primera ópera. Con 18 se presenta como director con la ópera de Breslau. Más tarde trabajó para la nobleza alemana, dirige la ópera de Praga y a partir de 1816 Weber trabaja como director de la ópera de Dresde, famoso centro del repertorio italiano. Realizó también numerosas giras como pianista. Su fama se basa en tres óperas: El cazador furtivo (1821), Euryantha (1823) yOberón (1826). Con El cazador furtivo, basada en el folclore nacional alemán y en una combinación de elementos legendarios y sobrenaturales, creó la escuela romántica de ópera alemana. La ópera Oberón, que fue un encargo para el Covent Garden de Londres con un libreto inglés, le obligó a estudiar esta lengua. Weber falleció en Londres el 5 de junio de 1826. Obras Óperas Der Macht der Liebe ("El poder del amor", 1798) Peter Schmoll und seine Nachbarn (1801) Rübezahl Silvana (1810) Abu Hassan (1810) Der Freischütz ("El cazador furtivo", 1821) Euryanthe (1826) Die drei Pintos (1821, acabada por Gustav Mahler) Oberon (1826) Música sacra Missa sancta n.º 1 en mi bemol, J. 224 (1818) Missa sancta n.º 2 en sol, Op. 76, J. 251 (1818–19) Sinfonías Sinfonía n.º 1 en do (1812) Sinfonía n.º 2 en do (1813) Obras vocales con orquesta Cantata Der erste Ton para coro y orquesta, Op. 14, J. 58 (1808 / revised 1810) Recitativo y rondó Il momento s'avvicina para soprano y orquesta, Op. 16, J. 93 (1810) Himno In seiner Ordnung schafft der Herr para solistas, coro y orquesta, Op. 36, J. 154 (1812) Cantata Kampf und Sieg para solistas, coro y orquesta, Op. 44, J. 190 (1815) Escena y Aria de Atalia Misera me! para soprano y orquesta, Op. 50, J. 121 (1811) Jubel-Cantata para el 50.º jubileo real del rey Federico Augusto I de Sajonia para solista, coro y orquesta, Op. 58, J. 244 (1818) Conciertos Concierto para piano n.º 1 en do mayor, Op. 11, J. 98 (1810) Concierto para piano n.º 2 en mi bemol mayor, Op. 32, J. 155 (1812) Konzertstück en fa menor para piano y orquesta, Op. 79, J. 282 (1821) Concierto para fagot en Fa mayor, Op. 75, J. 127 (1811 / revisado en 1822) Andante y rondó húngaro (Andante e Rondo Ongarese) para fagot y orquesta en do menor, Op. 35, J. 158 (1813) Conciertos para clarinete y orquesta Concierto para clarinete n.º 1 en fa menor, Op. 73, J. 114 (1811) Concierto para clarinete n.º 2 en mi bemol mayor, Op. 74, J. 118 (1811) Concertino para clarinete y orquesta en do menor/mi bemol mayor, Op. 26, J. 109 (1811) Gran pupurrí para violonchelo y orquesta en re mayor, Op. 20, J. 64 (1808) Variaciones para violonchelo y orquesta en re menor, J. 94 (1810) Concertino para trompa y orquesta en mi menor, Op. 45, J. 188 (1815) Romanza Siciliana para flauta y orquesta, J. 47 (1805) Seis variaciones sobre el tema A Schüsserl und a Reind'rl para viola y orquesta, J. 49 (1800) Andante y rondó húngaro para viola y orquesta, J. 79 (1809) Adagio y rondó para armonicordio y orquesta en fa mayor, J. 115 (1811) Para piano a cuatro manos: Invitación a la danza, Op. 65, J. 260 LA ÓPERA ITALIANA
La ópera nació en italia alrededor del año de 1600, en donde continuó teniendo un rol dominante en la historia del género gasta el día de hoy. las obras de compositores italianos del siglo XIX y principios del siglo XX, tales como Rossini, Bellini, Donizetti, se encuentra entre las mas famosas jámas escritas, y hasta hoy son representadas en los principales teatros de ópera del mundo.
GIOACCHINO ROSSINI
(1792-1868). Es él, el únicode los compositores ítalianos de este tempano romanticismo, que logra producir la parte fundamental de su obra en su propio país. Nacido en Pesaro, al noroeste de la península, región de las Maracas, es a su genio lírico a quien le corresponde triunfar en la Europa de la Restauracióm.
Hijo de Giusppe Rossini, músico cornista
de la Banda de su pueblo y de la cantante de teatros Anna Guidarini,
aprendió los rudimentos de la música con su padre. Luego con el músico y
vinatero Giuseppe Prinetti y con el sacerdote y músico Giuseppe Malerbi. En 1804,
desde muy temprana edad, a los 12 años, lo encontramos componiendo sus hermosas 6
Sonatas para Cuerdas, en las cuales ya demuestra una astuta visión,
estilo y características muy personales de composición musical. También escribe
una Serenata per piccolo complesso (flauta, oboe, corno inglés
y cuerdas); y unas Variaciones para clarinete y pequeña orquesta.
Más tarde, se desempeñó como clavecinista acompañante
en varios teatros. En 1810, contando 18 años de edad, logra su primer éxito con
la ópera breve en un acto La Cambiale di Matrimonio (El
contrato de matrimonio), con libreto de Gaetano Rossi. Dos años después, el
12 de septiembre de 1812, conquistaba La Scala de Milán, logrando 53 funciones
de su séptima ópera La Pietra del paragone (La
Piedra de toque), melodrama giocoso en dos actos con libreto de Luigi
Romanelli; y así, a pesar de algunos fracasos ocasionales, se
consolida como el primer compositor de su tiempo.
Con sus óperas de 1813, IlSignorBruschino (óFiglio
per azzardo) en un acto; Tancredi, cuyo argumento en dos
actos, con libreto también de Gaetano Rossi, se desarrolla en la Siracusa del
1005; y L’ Italiana in Algeri; (La italiana en Argel),
ópera cómica en tres actos con libreto de Angelo Anelli y en la cual tienen
gran importancia y dificultad las arias para mezzosoprano (Isabella);
demuestra su alto grado de perfección y dominio del género bufo.
Autor de cuarenta (40) óperas, su obraLa
inútil precaución, llamada luego, Il Barbiere di Siviglia,
estrenada el 20 de febrero de 1816; con libreto de Cesare Sterbini basado en la
obra de Pierre-Augustin de Beaumarchais, representa la culminación de la ópera
buffa; escrita especialmente para la mezzosoprano con grandes dotes de
coloratura, Gertrude Righetti (Rosina) y el tenor
sevillano Manuel del Pópolo Vicente García (1775-1832), en el papel
del Conde Almaviva; y el barítono Luigi Zamboni como Fígaro.
El compositor, igualmente, logra un magnífico dominio
del melodrama con sus óperas serias Otello, ossiaIl Moro di Veneziacon
libreto de Francesco MariaBerio di Salsi (1816); La Gazza Ladra (1817),
con libreto de Giovanni Gherardini y Louis-Charles Caigniez, estrenada en La
Scala de Milán el 31 de mayo de 1817;Mosè in Egitto (1818), y su
última ópera en cuatro actos, escrita a los 27 años, Guillaume Tell (1829)
con libreto de Étienne Jouy e Hippolyte Bis, dedicada por el compositor al
público parisino y estrenada en la Opéra de París el 3 de agosto de 1829 de
entre otras.
GAETANO DONIZETTI(1797-1848), natural de Bérgamo, región de Lombardía al norte de Italia.
Hijo de una familia pobre y sin tradición musical; se destacó como alumno del
sacerdote y compositor de óperas, párroco de la iglesia matriz de Bérgamo, Simon
Mayr (1763-1845).
Es autor de sesenta y cinco (75) óperas,
en las cuales intentó seguir los perfiles de la ópera clásica; entre ellas se
destacan, Anna Bolena (1830), ópera que fue premiada en Milán; L´elisir
d`amore (1832), ópera cómica en la cual se destaca el aria de
tenor Una furtiva lágrima; su ópera Lucia di Lammermoor,
estrenada el 26 de septiembre de 1835, con libreto de Salvatore Cammarano,
basado en la novela de Walter Scott The Bride of Lammermoor; obra
que demuestra su dominio magistral de las voces, los coros, la orquestación y
el Bel Canto. También sus óperas Lucrezia Borgia (1833),Belisario(1836);
y su obra maestra, la ópera Don Pasquale (1843), considerada
como la última de las grandes óperas bufas italianas.
Es él, quien le aporta a la ópera italiana un público
nuevo y popular con su estilo melódico lírico, lleno de gracia, brillante y
efectiva orquestación, con gran energía dramática en el tratamiento de las
voces solistas y coros. Donizetti fue autor también de hermosas obras de música
de cámara y sinfónica, entre ellas, una hermosa Ave María para
soprano, coro y cuerdas; un Allegro en Do mayor para orquesta
de cuerdas; Concertino para oboe en Fa mayor; Sinfonía para
Banda en sol menor; Concertino para clarinete en Si bemol mayor; Concertino
para corno inglés en Sol mayor; y Concertino para flauta en Do
mayor.
VINCENZO BELLINI (1801-1835), Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini, siciliano;
natural de Catania. Compañero de Mercadante y Donizetti en el Conservatorio
Colegio de San Sebastián de Nápoles; es autor de la conmovedora historia de La
Sonnambula (1831) cuyo personaje Amina, fue creado por Bellini para
ser cantado por la soprano coloratura Giuditta Pasta (1797-1865).
Resalta también, la gran historia trágica de la
sacerdotisa druida Norma(1831) con libreto de Felice
Romani, basado en la tragedia del poeta francés Alexandre Souret
(1788-1845) y cuyo argumento se desarrolla en la Galia del siglo I a.C.
Bellini otorga un puesto de especial privilegio y
consagra el Virtuosismo vocal (Bel Canto)
con sus hermosas y sublimes cantinelas frente a una orquesta tratada en un
segundo plano. No obstante, escribió una Sinfonía en do menor y
otra, en Re mayor.
Otra de sus obras famosas es, su última ópera en tres
actos, I Puritani(1835) basada en la historia de los
puritanos de Oliver Cromwell (1650).
Bellini, fundamentalmente se destaca como un gran
cultor de la melodía; fue autor también de misas, motetes y un Concierto
para oboe y orquesta. Murió tempranamente, a la edad de 34 años, en París.
EL LIED ROMÁNTICO
En una época, en la que el centro de admiración del público es
el artista creador, considerado genio, cuya vida extraordinaria, loca, a veces
escandalosa, su hipersensibilidad y autocompasión están en boca de todos, que
actúa sólo según sus criterios individuales, no es de extrañar que el lied, la
canción sobre poemas románticas, se convierte en el género más emblemático del
romanticismo. Componer un lied es como escribir un diario, captar un estado de
ánimo, una sensación fugaz, un sentimiento, un atmósfera. Es una música íntima y
personal para voz y piano, para entretenerse en los salones burguesas.
En el lied podemos captar la máxima libertad del compositor: las
canciones no obedecen a una construcción formal fija, son muy variopintos desde
el punto de vista formal. La libertad formal del lied se origina, por una
parte, del hecho de que el poema tiene su propia forma, y por la otra, que el
texto garantiza la continuidad del discurso musical.
Los poemas son textos en verso, es decir, textos de forma
regular que normalmente obedecen a una construcción estrófica; cada estrofa se
forma de cuatro (o seis u ocho) versos isosilábicos con rimas asonantes que
emparejan los versos.
En el verso el lenguaje cursa de un modo cíclico; el oyente, o
el lector, va oyendo lo que esperaba oír; acentos que se esperaban y llegan,
unidades silábicas que se van presentando en los momentos en los que se las esperaba
y mucho más elementos como unidades estróficas, combinaciones de rimas, etc.
por medio de loscuales el poeta construye su discursoadaptándolo a la andadura
cíclica de la realidad. La audición de un texto en verso depara la
confortabilidad del curso cíclico; lo que el poeta dice lo vamos oyendo
meciéndonos en una cadencia regular en la que no puede haber sobresaltos.
Todo ello produce un curso rítmico regular lo que acerca el
poema a la música. Sin embargo, aún tratando de un texto de forma estrófica
predeterminada de ritmo regular, el compositor tiene la opción de apostar por
una construcción formal propia de la música, semejante o diferente de la del
texto.
LOS TIPOS DE LIED:
Lied estrófico:
Este tipo de composición se caracteriza por ajustar la música a
las características formales del texto: las diferentes estrofas se cantan sobre
la misma música.
Con respecto a la forma musical, la forma denominada lied
estrófico se forma de una serie de versos, normalmente de cuatro que pueden
aumentarse pero siempre son de número par. Los versos tienen la misma longitud
o, por lo menos, aquellos que “rimen”, es decir, que forman pareja. El lied
estrófico destaca por su regularidad y simetría.
El lied estrófico tiene un contenido eminentemente lírico.
Lied dinámico (trascompuesto) :
En este tipo de canción el texto se trata como si estuviese
escrito en prosa. Se pretende formar un discurso dramático que se refleja en
una forma musical libre y de dimensiones amplias, acercando la pequeña forma
lied a las grandes formas por una parte, y por la otra, volviendo al concepto
de forma libre del motete y madrigal renacentistas.
Lied estrófico modificado:
Entre los dos tipos anteriores se encuentra el lied estrófico
modificado en el que, al pasar a la siguiente estrofa, la música se modifica de
menor o mayor medida para ajustarse al contenido del texto.
LA FORMA EMPLEADA EN LOS DIFERENTES
TIPOS DEL LIED
Forma Lied estrófico
La forma musical se ajusta a la forma del poema en el que una
estrofa se forma de 4 versos de igual longitud, normalmente constan de 4
compases cada uno.
Forma lied estrófico irregular
La irregularidad puede producirse mediante ampliar el número de
versos – normalmente a 6 en lugar de 4 – o por el empleo de fraseo irregular,
es decir, la longitud de los versos no está predeterminada.
Forma lied ternario simétrico;
lied ternario asimétrico, lied binario
Estas formas son propias de la música instrumental, sobre todo
de la danza. Constan de dos o tres frases, normalmente de 8 compases cada una.
El lied ternario tiene reexposición (A B A).
El lied ternario asimétrico fusiona el lied instrumental (A B A)
y el lied estrófico (a a b a). Eso es posible gracias a la estructura binaria
de la primera frase (a1 a2 pregunta y respuesta) que permite la reexposición parcial
de la misma. La frase intermedia se limita a un verso.
Nació en Viena, el 31 de enero de 1797 y falleció el 19 de noviembre de 1828. Fue un compositor austríaco, considerado introductor del Romanticismo musical y la forma breve característica, a la vez,
también continuador de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. Fue un gran compositor de lieder
así como de música para piano, de cámara y orquestal.
Vivió, treinta y un años,
tiempo durante el cual consiguió componer una obra musical excelente, de gran
belleza e inspiración. Su talento creció a la sombra de Beethoven,
a quien admiraba, murió un año después que su ídolo. No fue reconocido en vida.
Después de su muerte, su arte comenzó a conquistar admiradores. Escribió más de
seiscientos lieder, de los cuales gran parte,
después de su fallecimiento, quedaron inéditos.
Durante sus últimos años
escribió piezas magistrales, fruto y reflejo de sus experiencias personales y
siempre con el sello inconfundible de una inagotable inspiración melódica.
Por ejemplo:
- Wanderer-Fantasie, D. 760, para piano solo (1822) -La bella molinera (Die
schöne Müllerin) (1823), estos
últimos inspirados en poemas de Wilhelm Müller.
-En 1824 escribiría La muerte y la doncella,
uno de sus cuartetos más conocidos,
-Y ya hacia el final de su vida el intenso dolor y el aislamiento
dejaron su impronta en el Winterreise, D. 911, Op. 89 (1827), también con textos de W.
Müller. –El
30 de octubre de 1822 comenzó su Sinfonía
en si menor pero, tras dos
movimientos en una partitura de orquesta cuidadosamente pasada a limpio, y de
comenzar el tercero, la abandonó. El
manuscrito con ambos movimientos completos pasó a manos de su amigo, An.
Hüttenbrenner, quien los conservó en un cajón durante más de cuarenta años. En
1865 se los entregó al director de orquesta Johann von Herbeck, quien en diciembre de ese mismo año dirigió en Viena
el estreno de la obra incompleta.
Obras vocales
Lieder
Schubert compuso unas 600 canciones (lieder). Destacan:
·
Margarita en la rueca (Gretchen am Spinnrade), D 118, canción sobre texto de Goethe (1814) Op. 2
·
Cerca del amado (Nähe des
Gelibten), D 162, canción sobre texto de Goethe (1815) Op. 5
·
El rey de los elfos (Der Erlkönig), D 328, canción sobre texto
de Goethe (1815)
Op. 1, 4 versiones
·
Pureza (Seligkeit), D 433 canción sobre texto de Ludwig Hölty (1816)
·
La muerte y la doncella
(Der Tod und das Mädchen), D 531, canción sobre
texto de Matthias Claudius (1816)
·
Ganimedes (Ganymed), D 544, canción sobre texto de Goethe (1817) Op. 193
·
A la música (An die Musik), D 547, canción sobre texto
de Franz von
Schober (1817) Op. 88, 2 versiones
·
La trucha (Die Forelle), D 550, canción sobre texto de Christian
Friedrich Daniel Schubart (1817) Op. 32
·
El hijo de las musas (Der
Musensohn), D 764, canción sobre texto de Goethe (1822) 2
versiones
·
Tú eres la paz (Du bis die
Ruh), D 776, canción sobre texto de Friedrich Rückert (1823)
Op. 59
·
Reír y llorar (Lachen und
Weinen), D 777, canción sobre texto de Friedrich Rückert (1823)
Op. 59
·
La bella molinera (Die schöne Müllerin), D 795, ciclo de canciones sobre poemas de Wilhelm Müller (1823) Op. 25
·
La novicia (Die junge
Nonne), D 828, canción sobre texto de Jac. Nic. Craigher
(1825)
·
Ellens dritter Gesang conocido como “el Ave María de Schubert”, D 839 de Walter Scott, traducido por Adam Storck (1825)
·
Serenata de Cimbelino: “Escucha, escucha la alondra” (Ständchen)
D 889 de Cymbelin de Shakespeare, traducido por August von
Schlegel (1826)
·
Viaje de invierno (Winterreise), D 911, ciclo de canciones sobre poemas de W. Müller (1827) Op. 89
·
El canto del cisne (Schwanengesang), D 957, ciclo de canciones sobre poemas de Rellstab, Heine y Seidl (1828)
Óperas
·
Claudine von Villa Bella
(Claudine de Villa Bella, sobre texto de Johann Wolfgang von Goethe), Singspiel D 239 (compuesto en 1815;
estrenada 26 de abril de 1913 Viena)
·
Die Freunde von Salamanka
(Los amigos de Salamanca, sobre texto de Johann
Mayrhofer), Singspiel D 326 (compuesto finales de 1815; no
estrenado)
·
Die Zauberharfe (El arpa
mágica, sobre texto de Georg Gotthard Josef Edler von Hofmann), Zauberspiel con
música D 644 (19 de agosto de 1820 Viena, Theater an der Wien)
·
Die Zwillingsbrüder (Los hermanos gemelos, sobre texto de Georg Gotthard Josef Edler von Hofmann) Singspiel D
647 (14 de junio de 1820 Viena, Kärntnerthortheater)
·
Sakuntala (Sakontala) (texto de Johann Philipp
Neumann basado en el Kalidasa), Ópera D 701 (octubre de 1820)
·
Alfonso und Estrella (Alfonso y Estrella, sobre texto de Franz von Schober) Ópera12 D 732 (24 de junio de 1854 Weimar)
·
Die Verschworenen (Los conjurados, sobre texto de Ignaz
Vinzenz Franz Castelli basado en Lisístrata de Aristófanes) Singspiel D 787 (29 de agosto de 1861 Fráncfort
del Meno como 'Die Verschworenen oder Der häusliche Krieg')
·
Fierrabras, sobre texto de Josef
Kupelwieser basado en Eginhard und Emma y el poema épico La Chanson de Roland),
ópera D 796 (6 de enero de 1829 Viena, Gesellschaft der Musikfreunde
[Obertura]; 7 de mayo de 1835 Viena, Theater in der Josefstadt [algunos
números]; 9 de febrero de 1897 Karlsruhe)
·
Rosamunde, Fürstin von
Zypern, sobre texto de Helmina von Chézy),
Schauspiel con música D 797 (20 de diciembre de 1823 Viena, Theater an der
Wien)
·
Der vierjährige Posten (texto de Karl Theodor Körner), Singspiel D 190 (23 de septiembre de
1896 Dresde)
·
Hay una opereta pastiche titulada Das Dreimäderlhaus (La
casa de las tres muchachas), con música de Franz Schubert y
arreglos del húngaro Heinrich Berté,
estrenada en 1916.
Otra música vocal
·
Misa n.º 2 en sol mayor, D 167
·
Coro de los
ángeles (Chor der Engel) D 440
·
Misa n.º 5 en la bemol mayor, D 678 (Dos versiones)
·
Canto de los espíritus
sobre las aguas (Gesang der Geister über den Wassern), canción para coro y orquesta, D 714
·
Auf dem Wasser zu singen D 774
·
El pastor en la roca (Der
Hirt auf dem Felsen), cantata para voz, clarinete y piano.
·
Salve Regina
Obras de cámara y
para piano
Música de cámara
·
Octeto, D. 803 (1824), en fa mayor para clarinete, fagot, trompa, dos violines,
viola, violonchelo y contrabajo (obra póstuma 166)
·
Quinteto de cuerda en do
mayor, D 956 (obra póstuma 163)
·
Quinteto
para piano y cuerdas en la mayor, "La trucha" ("Die Forelle") D 667 (op. 114)
·
Cuarteto de cuerdas n.º 1, D 18 (en diversas
tonalidades)
·
Cuarteto de cuerdas n.º 13 en la
menor Rosamunda D 804
(op. 29 n. 1)13
·
Cuarteto para cuerda, n.º 14 en re menor "La
muerte y la doncella", D. 810 (1824)
·
Sonata Arpeggione
·
Trío
n.º 1 en si bemol mayor, D 898 (op. 99) para piano, violín y
violonchelo
·
Trío n.º 2 en mi bemol
mayor, D 929, para piano, violín y violonchelo
Música para piano
Sonatas para
piano
·
Sonata n.º 1 en mi mayor, D 157 (fragmento)
·
Sonata n.º 6 en mi menor, D 566
·
Sonata n.º 7 en re bemol mayor, D. 567
·
Sonata n.º 13 en la mayor, D 664 (op.120)
·
Sonata n.º 16 en la menor, D 845 (op. 42)
·
Sonata n.º 17 en re mayor, D 850 (op. 53)
·
Sonata n.º 18 en sol mayor, D 894 (op. 78)
·
Sonata n.º 21 en si bemol mayor, D 960
Otras
composiciones para piano
·
Fantasía del caminante (Fantasía Wanderer), en do mayor, para piano solo, D 760 (op. 15)
·
Seis Momentos musicales, D 780
(op. 94)
·
Cuatro impromptus, D 899 (op. 90)
·
Gran dúo para piano a
cuatro manos, D 812
·
Fantasía para piano a
cuatro manos, en fa menor, D 940 (op. 103)
·
Tres Marchas
militares, D 733 (1818)
·
Rondó en La (Gran Rondó)
para piano a cuatro manos, D 951
Obras orquestales
Sinfonías
·
Sinfonía n.º 1 en re mayor D
82 (1813)
·
Sinfonía n.º 2 en si bemol
mayor D 125 (1815)
·
Sinfonía n.º 3 en
re mayor D 200 (1815)
·
Sinfonía n.º 4 en
do menor La trágica D
417 (1816)
·
Sinfonía n.º 5 en si bemol
mayor D 485 (1816)
·
Sinfonía n.º 6 en do mayor La pequeña D 589 (1818)
·
Sinfonía n.º 7 en
mi mayor D 729 (1821)
·
Sinfonía n.º 8 en si menor Inacabada (también llamada Inconclusa o Incompleta D 759 (1822)
·
Sinfonía n.º
10 en re mayor La
última D 936a
Oberturas
·
Obertura Rosamunda
princesa de Chipre, música incidental (1823)
·
Obertura "en el estilo italiano" en do mayor
·
Obertura Alfonso
y Estrella
2.-EL ROMANTICISMO A MEDIADOS DEL SIGLO XIX.
PANORAMA HISTÓRICO. MOVIMIENTO CECILIANISTA.
SE INCREMENTA LA MÚSICA
DE PROGRAMA.
MÚSICA INSTRUMENTAL. EL AUGE DEL PIANO. GENEROS QUE SURGEN.
PRINCIPALES COMPOSITORES
OBRAS Y
ESTILO DE:
FEDERICO
CHOPIN.
FELIX MENDELSHONN.
ROBERT SCHUMANN.
HECTOR BERLIOZ. SU ORQUESTA. SINFONÍA FANTÁSTICA.
LA MÚSICA EN ITALIA. NICCOLO PAGANINI.
SEGUNDO TEMARIO
EL
ROMANTICISMO A MEDIADOS DEL SIGLO XIX
El
Romanticismo es un movimiento artístico y literario que apareció al final del siglo XVIII
y principios del XIX, que dio fuerza, emoción, libertad e imaginación a
la clásica corrección de las formas del arte, fue una rebelión contra las
convenciones sociales.
El siglo XIX es políticamente bastante comprometido se producen movimientos independentistas, se desarrolla el nacionalismo, la industrialización, el nacimiento de la burguesía.
La Revolución francesa, las guerras
napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo
Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una
nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al
sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad
imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir. El Romanticismo se opone al carácter encorsetado del siglo anterior, rompiendo con
las reglas de toda índole. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y
las épocas pasadas. Algunas causas como la guerra de la independencia griega
gozan de un gran predicamento entre los románticos. Entre sus máximos exponentes se
encuentran los franceses Géricault y Delacroix, los ingleses Constable y
Turner, que anticipa el impresionismo, y el germano Friedrich.
Los términos “clásico” y “romántico” son utilizados como términos críticos al arte de cada época. A mediados del siglo XVIII, aparece una división entre lo clásico y lo romántico a partir de la obras de Burke y Winckelmann. Los clasicistas creían que el arte debía buscar la noble simplicidad y la sosegada grandeza. Los románticos, por el contrario, creían que el arte debe sustentar emociones. El término romántico tiene diferentes interpretaciones: peyorativas o laudatorias. El término se acuñó a finales del siglo XVIII para definir una nueva actitud artística que quería poner de relieve lo local y lo individual frente al universalismo, y lo emotivo frente a lo racional. Se propugna la experiencia y romper con el arte mimético y las copias. Aunque los historiadores suelen separar los estilos, lo cierto es que el Romanticismo y el Clasicismo se combinan. El fin podría fijarse con el comienzo del Realismo, aunque resurgían con el Simbolismo. 
MOVIMIENTO
CECILIANISTA
El cecilianismo (nombre derivado de santa Cecilia, patrona católica de
los músicos) fue un movimiento musical nacido a finales del siglo XIX en el
seno de la Iglesia Católica y con vigencia, aproximadamente, hasta la segunda
década del siglo XX.
Los músicos y teóricos cecilianistas reaccionaron contra los excesos de
la música sacra romántica (a la que se juzgaba excesivamente operística, como
sucedía con las obras de Franz Liszt o Anton Bruckner) y reivindicaron la
interpretación en la liturgia del canto gregoriano y de las obras de los
grandes polifonistas del Renacimiento como Giovanni Pierluigi da Palestrina,
Orlando di Lasso o Tomás Luis de Victoria, modelos que proponían a los
compositores contemporáneos de música sacra para inspirar sus nuevas obras,
cuyo propósito era también buscar la participación de la asamblea de fieles en
la liturgia por medio del canto (por esta razón, se fundaron en estos momentos
numerosas «Scholae cantorum» en las parroquias).
También la interpretación al órgano se vio afectada por este movimiento:
se condenó igualmente los excesos teatrales propios del XIX y se defendió una
mayor sobriedad. La reforma de la música litúrgica propugnada por los músicos
cecilianistas fue fomentada por el propio papa Pío X, quien en 1903 dio a
conocer su motu proprio Tra le sollecitudini en el que recoge los presupuestos
de Perosi, a quien conoció cuando el futuro papa era patriarca en Venecia y
Perosi director de la Capilla Marciana.
Francia
La restitución del canto gregoriano a su pureza original fue llevada a
cabo, especialmente, por los monjes benedictinos de la Abadía de Solesmes, en
Francia. Por otra parte, floreció en el país toda una generación de
compositores de música sacra que seguía los principios del movimiento
cecilianista.
Italia
El movimiento cecilianista tuvo especial importancia en Italia, cuyo
representante más prestigioso e influyente fue Lorenzo Perosi, aunque se
considera que el verdadero iniciador de este movimiento de renovación fue
Giovanni Tebaldini (el organista predecesor de Perosi en la Basílica de San
Marcos de Venecia). En 1880 se fundó en Italia la Asociación General
Cecilianista.
Otros importantes defensores del Cecilianismo en Italia fueron Raffaele
Casimiri, Oreste Ravanello, Federico Caudana (organista y maestro de capilla de
la catedral de Cremona), Raffaele Manari, Luigi Bottazzo, Marco Enrico Bossi y
Filippo Capocci (maestro de capilla de la basílica de San Juan de Letrán de
Roma).
Alemania
En Alemania también encontró gran difusión el cecilianismo gracias a la
labor que Franz Xaver Haberl realizó en Ratisbona, donde tenía una
Kirchenmusikschule (escuela de música sacra) y era maestro de capilla del coro
de la catedral, especializado en polifonía y canto gregoriano. En Alemania
llevó en 1868 también a la fundación de la “Asociación de Santa Cecilia”
(Allgemeiner Cäcilienverein für die Länder deutscher Sprache) gracias al
impulso del teólogo y músico Franz Xaver Witt (1834−1888). Con el Breve Multum
ad movendos animos del Papa Pío IX del 16 de diciembre de 1870 se convirtió en
una asociación de derecho pontificio. El Breve, además, fija su nombre latino:
Associatio sub titulo Sanctae Caeciliae pro universis Germanicae linguis
Terris.
España
El compositor Hilarión Eslava, tras un viaje por Europa en el que pudo
conocer de primera mano el nuevo movimiento cecilianista, comenzó a componer
obras sacras en un estilo más sobrio y menos operístico a la italiana. También
llevó una gran labor de edición y difusión de los polifonistas españoles del Siglo
de Oro (Morales, Victoria, Guerrero, etc.). Con el mismo espíritu, Francisco
Asenjo Barbieri defendió en el Congreso Católico Nacional de 1889 que la música
religiosa moderna tomara como modelo la pureza de la polifonía del siglo XVI.
El cecilianismo en otros países
En Gran Bretaña Robert Lucas de Pearsall fue uno de los pioneros del
cecilianismo: escribió música para los ritos católico y anglicano y defendió
las formas musicales antiguas.
SE INCREMENTA LA MUSICA DE PROGRAMA
La música programática floreció especialmente en el romanticismo. El hecho de poder evocar en el oyente una experiencia
específica más allá de sentirse delante de un músico o de un grupo de músicos,
está relacionado con la idea romántica del Gesamtkunstwerk, que
consideraba las óperas de Richard Wagner como una fusión de todas las artes (escenografía,
dramaturgia, coreografía, poesía, etc.), a pesar de que a veces se basara sólo
en la música para ilustrar conceptos artísticos multifacéticos, como una
pintura o un poema. Los compositores creían que las nuevas posibilidades
sonoras que aportaba la orquesta romántica los permitía centrarse en las
emociones, o en otros aspectos intangibles de la vida, mucho más que en el
barroco o la era clásica.
Beethoven sentía una cierta reluctancia a componer música
programática, y dijo de su Sinfonía nº 6 (Pastoral - 1808) que "la obra entera puede
ser percibida sin descripción - es más una expresión de sentimientos que un
poema musical". Aun así, la obra contiene descripciones de los cantos de
los pájaros, el rumor de un riachuelo, una tronada, etc. Beethoven volvió más
tarde a la música de programa con su Sonata
para piano Op. 81a, Les Adieux, que describe la despedida
y el regreso de su amigo el Archiduque Rudolf de
Austria.
La Sinfonía fantástica de Hector Berlioz es una narración musical de una
historia de amor hiperbólicamente emocional vivida por el autor. Franz Liszt proporcionó programas explícitos para muchas de sus
piezas para piano, pero también es el inventor del poema sinfónico.
El año 1874, Modest
Músorgski compuso,
utilizando sólo las posibilidades dinámicas del piano, una serie de piezas
describiendo la contemplación de diez pinturas y dibujos de sus amigos en una
galería. Se trata de Cuadros de una
exposición, más tarde orquestada por Maurice Ravel. El
compositor francés Camille Saint-Saëns compuso muchas piezas breves que también calificó depoemas sinfónicos. Entre los más
populares hace falta destacar la Danza Macabra y algunos movimientos de El Carnaval de los animales. El compositor francés Paul Dukas es
recordado por su poema sinfónico El aprendiz de
brujo, basado en un cuento de Goethe. Igualmente, Tchaikovsky utilizó esta forma musical en diversas composiciones,
entre las que destaca la célebre Obertura 1812, donde se describe
puntualmente el enfrentamiento entre las tropas imperiales de Rusia y las de Napoleón Bonaparte, incluyendo fragmentos donde reproduce La
Marsellesa, símbolo del ejército invasor.
Posiblemente el compositor más adepto a la música de
programa fue el alemán Richard Strauss, que
compuso poemas sinfónicos como por ejemplo Tod und Verklärung (retratando la agonía de un hombre y
su entrada al cielo), Don Juan (basada en la clásica leyenda de Don Juan), Till Eulenspiegels lustige Streiche (basada en episodios de la vida del
personaje legendario alemán Till Eulenspiegel), Don Quixote (retratando episodios de la obra de Miguel de Cervantes, Don Quijote), Ein Heldenleben (que describe episodios de la vida de
un héroe anónimo, que a menudo se ha identificado con el mismo Strauss) o la Sinfonía
Doméstica (que narra
episodios de la vida familiar del compositor, incluyendo el momento de traer
los niños a la cama).
MUSICA INSTRUMENTAL
La música
instrumental es, en oposición
a una canción, una composición musical o pieza sin letra u otra suerte de música vocal; toda
la música es producida por instrumentos musicales. Éstos incluyen cualesquiera
del orden de los de cuerda,
madera, metal y percusión.
Específicamente, instrumental es usado cuando se
refiere a la música popular;
algunos géneros musicales hacen poco uso de la voz humana, tales como el post rock, el jazz, la música electrónica, y gran cantidad de la clásica.
En la música comercial, algunos álbumes incluyen temas instrumentales.
En música clásica, la música instrumental se define por oposición a la música vocal. Ya
desde el canto gregoriano hasta el renacimiento, la
música vocal dominó todas las formas posibles de música, relegando la
instrumental generalmente a la danza y a realizar introducciones a la vocal; desde el barroco la
música instrumental experimentó el gran desarrollo que posibilitó todas las
formas y géneros exclusivamente instrumentales, además del gran virtuosismo instrumental y el afianzamiento de conjuntos
instrumentales desde pequeños (dúos, cuarteto de cuerdas) hasta la orquesta.
AUGE DE PIANO (FALTAGENEROS QUE SURGEN (FALTA)
FEDERICO CHOPIN
Nace en Zelazowa, en las proximidades de Varsovia, el día 22 de
Febrero de 1810, fue un niño prodigio, actúo desde los cinco y seis años en los salones
aristocráticos de Varsovia. Su primera aparición pública tiene lugar a los ocho años con motivo de un
concierto benéfico. De esta misma época : la Polonesa en sol menor (1817), es su primera composición impresa.
Entre 1823 y 1826 cursa estudios en el Instituto de
Varsovia En 1826 inicia
el estudio de música en profundidad en la Szkola Glowna Muzyki, bajo el
magisterio de Jozef Elsner, diplomándose en composición en 1829. Durante estos
años da conciertos en Berlín, Praga y Viena, entre otros muchos sitios,
ganándose una sólida reputación como virtuoso del instrumento.
El 11 de octubre de 1830, con 20 años, da su último concierto en
Polonia; compone su primer concierto
para piano. .En 1831 se instala en París a finales de
año. Aquí desarrolla una intensa actividad como compositor y comienza a
introducir sus propias obras en sus recitales como intérprete. Da clases a
pianistas de muchos países instalados en la capital francesa. Entre su círculo
de amistades se encuentran Liszt, Berlioz, Rossini, Bellini o Mendelssohn.
Muere el 17 de octubre de 1849 en su
vivienda del número 12 de la Plaza Vendôme. Apenas tres meses más tarde habría
cumplido los cuarenta años.
Está enterrado en el cementerio parisiense
de Père-Lachaise. Atendiendo al deseo del compositor, su corazón reposa en
Varsovia, en la Iglesia de la Santa Cruz.
OBRAS
 Pocos compositores en la historia de la
música han ceñido de manera tan exclusiva su trabajo a un único instrumento. La
obra de Chopin, pianista primero que compositor, está unida al piano
estrechamente, de manera que son una rareza (el ballet "Les
silfides", no orquestado por el compositor, una sonata para cello y unas
cuantas canciones) las obras de su catálogo en las que no aparece este
instrumento.
Para piano solo
Polonesas: una veintena de piezas diferentes compuestas, de
manera independiente o en ciclos de dos o tres piezas, entre 1817 y 1846,
ocupando en la práctica toda su vida como compositor.
Mazurkas: 46 diferentes, normalmente publicadas en ciclos de
cuatro (a veces sólo tres), y compuestas, como las Polonesas, durante toda su
vida, a partir de 1825.
Valses: 18 diferentes, publicados aislados o en series de dos
o tres, más el denominado Gran Vals (en mi bemol mayor, opus 18).
Sonatas: tres; en do menor, opus 14 (1828); en si bemol menor,
opus 35 (de 1839, incluyendo una marcha fúnebre compuesta anteriormente); en si
menor, opus 58 (publicada en 1845).
Estudios: dos series de doce piezas cada una (opus 10,
compuestos en 1832; opus 25, publicados en 1837), más los denominados 3 nuevos
Estudios de perfección…publicados en 1840.
Scherzos: cuatro, publicados en los años 1835, 38, 40 y 43.
Baladas: cuatro, publicadas en los años 1836, 40, 42 y 43.
Preludios: los veinticuatro del opus 28 (publicado en 1839) más
el opus 45 en do sostenido menor, compuesto hacia 1834 y publicado en 1941.
Nocturnos: 19 piezas diferentes, agrupadas en series de dos o
tres distintas. El incluido en el opus 72 se acompaña por una Marcha fúnebre y
tres obras denominadas Escocesas.
Impromptus: tres diferentes, en la bemol mayor opus 29, en fa
sostenido mayor opus 36, y en sol bemol mayor opus 51.
Fantasías: una en fa menor, opus 49, y la conocida como
fantasía-impromptu en do sostenido menor, opus 46.
Rondós: cinco distintos, compuestos entre 1825 y 1828.
Diversas variaciones, el Allegro de
concierto opus 46, la Contradanza en sol bemol mayor, el Bolero en do mayor, el
Cantabile de 1834, la Hoja de álbum de 1843, el Largo en re mayor, la Tarantela
opus 43, la célebre Canción de cuna en re bemol mayor y la Barcarola en fa
mayor.
Para piano y
orquesta
La ci darem la
mano, en si bemol mayor, opus 2 (publicada en
1830)
Gran Concierto
para Piano con Orquesta, en mi menor, opus
11 (1830), conocido normalmente como el Concierto nº 1.
Gran Fantasía sobre canciones polacas, en la mayor, opus 13 (anterior
a 1831).
Krakowiak. Gran Rondó de Concierto, en fa mayor, opus 14
(publicado en 1834).
Segundo
Concierto para Piano con Orquesta, en fa
menor, opus 21 (1829).
Gran Polonesa
Brillante precedida de un Andante Spianato para piano con
orquesta, opus 22 (compuesta entre 1831 y 1832). Tras este nombre kilométrico
se encuentra una de las obras más celebres del autor polaco.
Para varios
instrumentos
- Introducción y polonesa brillante, para piano i violonchelo.
- Primer trio, para piano, violín y violonchelo
- Gran Dúo concertante, para piano y violonchelo.
ESTILO
El estilo de Chopin viene determinado, primeramente, por la música
prerromántica para piano, tanto de compositores extranjeros (Weber, Hummel, el
irlandés Field) como polacos (el príncipe Oginski, Franz Lessel, Maria
Szymanowska); pero también bebe, y con provecho, de la tradición clásica, con
Mozart y Beethoven al frente. Las melodías de la ópera italiana (Bellini,
especialmente) se advierten también en su estilo. Pero la más poderosa
influencia es, sin duda, la del folklore polaco, que da a su música un carácter
marcadamente nacional y convierte al compositor en un avanzado del nacionalismo
musical que dominaría la segunda mitad del siglo.
Chopin alcanza su madurez a muy temprana edad. Pero a partir de ese momento
resulta difícil advertir una evolución clara. No obstante, sí pueden
determinarse tres etapas claramente definidas. La primera se extiende hasta
1830 y se caracteriza por el dominio de formas clásicas como el rondó, la
sonata o el trío, que Chopin utiliza con originalidad imponiendo su
personalidad pianística. La segunda ocupa toda la década siguiente y en ella el
compositor opta por la formas libres, simples, de un solo movimiento, típicas
de la expresión musical del Romanticismo. En estas obras el folklore se hace presente
cada vez con más fuerza. En la última etapa, sus años finales, el autor regresa
a la sonata y demás formas clásicas, pero convertidas ya en estructuras
adaptadas plenamente al Romanticismo.
Es en las obras breves y de aparentemente menor ambición, en las mazurcas,
los nocturnos, las baladas o los valses, donde quizás se refleja mejor la
sensibilidad del compositor polaco y en donde Chopin alcanza la cumbre de su
estilo, en el que el dramatismo, la expresividad y el enraizamiento en lo
popular son las notas características.
FELIX
MENDELSHON
Compositor alemán, una de las principales
figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. Nació el 3 de
febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix
Mendelssohn-Bartholdy.
A los 9 años Mendelssohn debutó como
pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura
Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la
famosa 'Marcha nupcial' 17 años después. Tuvo como profesores al compositor y
pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Zelter.
Como pianista y director realizó giras
por Europa, sobre todo por Inglaterra, donde era muy admirado por la reina
Victoria y el príncipe Alberto. Trabajó como director musical de la ciudad de
Düsseldorf (1833-1835), director de la Gewandhaus de Leipzig (a partir de 1835)
y director musical del rey Federico Guillermo IV de Prusia (a partir de 1841).
En 1842 colaboró en la fundación del Conservatorio de Leipzig.
Desde el punto de vista estructural
Mendelssohn utiliza las formas musicales clásicas con un lirismo, una elegancia
y un lenguaje armónico que le sitúa entre los compositores más conservadores de
su época. Por esto, la crítica
suele clasificarlo entre los que llama 'clásicos-románticos'. Espontaneidad,
delicadeza y mesura dominan la música de este extraordinario artista.
Falleció el 4 de noviembre de 1847, en Leipzig.
OBRAS
Octet para cuerda, opus 20 (1825)
La noche de Walpurgis, opus 60 (cantata-1832) Variations sérieuses, opus 54 (piano-1841) Hear my Prayer (1844) - O for the wings of a dove Elías, opus 70 (oratorio-1846) Sinfonía para orquesta de cuerda No. 1 en Do mayor Sinfonía para orquesta de cuerda No. 4 en Do menor Sinfonía para orquesta de cuerda No. 5 en Si bemol mayor Sinfonía para orquesta de cuerda No. 6 en Mi bemol mayor Sinfonía para orquesta de cuerda No. 8 en Re mayor Sinfonía para orquesta de cuerda No. 10 en Si menor Sinfonía para orquesta de cuerda No. 12 en Sol menor Preludio y Fuga, Op. 35 No. 1 Cuartetos de cuerda Nos. 3 y 4, Op. 44 Sonata para violonchelo y piano No. 1 en Si bemol mayor, Op. 45 Trío para piano, violín y violonchelo No. 1 en Re menor, Op. 49 Sonata para violonchelo y piano No. 2 en Re mayor, Op. 58 Sonata para órgano en La mayor, Op. 65 No. 3 Trío para piano, violín y violonchelo No. 2 en Do menor, Op. 66 Athalia, Op. 74 Quinteto para cuerdas No. 2 en Si bemol mayor, Op. 87 Obertura para trompeta, Op. 101 Sonata para piano en Si bemol mayor, Op. 106 Canción sin palabras para violonchelo y piano, Op. 109
ROBERT
SCHUMANN.
Compositor alemán, uno de los
máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX. Nació el 8
de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia, y estudió en las universidades de Leipzig
y Heidelberg.
En 1830 abandonó sus estudios de derecho
para dedicarse exclusivamente a la música. Estudió piano con el maestro alemán
Friedrich Wieck, pero una lesión irreversible en uno de sus dedos terminó con
su carrera como pianista. Se dedicó entonces a la composición y a escribir
sobre música. En 1834, en un intento de luchar contra lo que denominó
'filisteismo artístico', fundó la revista musical Neue Zeitschrift für Musik,
que editó hasta 1844. En 1843 el recién fundado Conservatorio de Leipzig
solicitó los servicios de Robert para formar parte del profesorado, pero,
después de intentarlo, se sintió incapaz de enseñar y abandonó el puesto.
En 1850 fue nombrado director musical en
Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le
hizo dimitir en 1854. Ese mismo año, tras un intento de suicidio, fue ingresado
en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn, donde el 29
de julio de 1856 murió.
Compuso ciento treinta y ocho canciones,
entre las que se encuentran las colecciones de Liederkreis (dos ciclos con
textos de Heinrich Heine y Joseph Eichendorff), Myrthen (con textos de varios
poetas), Amor y vida (con texto de Adelbert von Chamisso), y Los amores del
poeta (sobre textos de Heinrich Heine). Supo poner de manifiesto el sentido
profundo de los poemas y otorgó a la parte de piano el papel de expresar los
sentimientos y significados de cada uno de ellos, incluyendo con frecuencia
largos epílogos al final de cada canción.
Las composiciones de Schumann para piano
suelen ser expresiones musicales sobre temas literarios y estados de ánimo. Con
excepción de la Fantasía en do mayor (1836) y los Estudios sinfónicos (1854),
sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña
idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla
organización.
OBRAS
- Fantasía en do mayor, opus 12 (1836)
Quinteto para piano (1842) El paraíso y la Peri, opus 50 (oratorio-1843) Album para la juventud, opus 68 (1848) Estudios sinfónicos, opus 13 (1854) Trío con piano, Op. 80 Escenas del bosque, Op. 82 Konzertstück para 4 trompas y orquesta en Fa, Op. 86 Introducción y Allegro appassionato, Op. 92 3 Romanzas para violín y piano, Op. 94 Obertura 'Die Braut von Messina', Op. 100 Sonata para violín No. 1 en La m, Op. 105 Der Rose Pilgerfahrt, Op. 112 Sonata para violín No. 2 en Re m, Op. 121 Obertura 'Julius Caesar', Op. 128 Concierto para violonchelo, Op. 129 Cantos de la Aurora, Op. 133 Introducción y Allegro, Op. 134 Réquiem, Op. 148 Sinfonía en Sol m, WoO 29 'Zwickau'
ROBERT
SCHUMANN.
Compositor alemán, uno de los
máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX. Nació el 8
de junio de 1810 en Zwickau, Sajonia, y estudió en las universidades de Leipzig
y Heidelberg.
En 1830 abandonó sus estudios de derecho
para dedicarse exclusivamente a la música. Estudió piano con el maestro alemán
Friedrich Wieck, pero una lesión irreversible en uno de sus dedos terminó con
su carrera como pianista. Se dedicó entonces a la composición y a escribir
sobre música. En 1834, en un intento de luchar contra lo que denominó
'filisteismo artístico', fundó la revista musical Neue Zeitschrift für Musik,
que editó hasta 1844. En 1843 el recién fundado Conservatorio de Leipzig
solicitó los servicios de Robert para formar parte del profesorado, pero,
después de intentarlo, se sintió incapaz de enseñar y abandonó el puesto.
En 1850 fue nombrado director musical en
Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le
hizo dimitir en 1854. Ese mismo año, tras un intento de suicidio, fue ingresado
en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn, donde el 29
de julio de 1856 murió.
Compuso ciento treinta y ocho canciones,
entre las que se encuentran las colecciones de Liederkreis (dos ciclos con
textos de Heinrich Heine y Joseph Eichendorff), Myrthen (con textos de varios
poetas), Amor y vida (con texto de Adelbert von Chamisso), y Los amores del
poeta (sobre textos de Heinrich Heine). Supo poner de manifiesto el sentido
profundo de los poemas y otorgó a la parte de piano el papel de expresar los
sentimientos y significados de cada uno de ellos, incluyendo con frecuencia
largos epílogos al final de cada canción.
Las composiciones de Schumann para piano
suelen ser expresiones musicales sobre temas literarios y estados de ánimo. Con
excepción de la Fantasía en do mayor (1836) y los Estudios sinfónicos (1854),
sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña
idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla
organización.
OBRAS
- Fantasía en do mayor, opus 12 (1836)
Quinteto para piano (1842) El paraíso y la Peri, opus 50 (oratorio-1843) Album para la juventud, opus 68 (1848) Estudios sinfónicos, opus 13 (1854) Trío con piano, Op. 80 Escenas del bosque, Op. 82 Konzertstück para 4 trompas y orquesta en Fa, Op. 86 Introducción y Allegro appassionato, Op. 92 3 Romanzas para violín y piano, Op. 94 Obertura 'Die Braut von Messina', Op. 100 Sonata para violín No. 1 en La m, Op. 105 Der Rose Pilgerfahrt, Op. 112 Sonata para violín No. 2 en Re m, Op. 121 Obertura 'Julius Caesar', Op. 128 Concierto para violonchelo, Op. 129 Cantos de la Aurora, Op. 133 Introducción y Allegro, Op. 134 Réquiem, Op. 148 Sinfonía en Sol m, WoO 29 'Zwickau'
HECTOR
BERLIOZ
Compositor francés y figura destacada en
el desarrollo del romanticismo musical del siglo XIX. Nació en la
Côte-Saint-André el 11 de diciembre de 1803. Comenzó a estudiar medicina en
París según el deseo de su padre, médico de provincia. Abandonó esta
especialidad para estudiar música en el conservatorio de la capital francesa
bajo la tutela del compositor francés Jean François Le Sueur y del compositor
checo Anton Reicha. En 1830 ganó el Premio de Roma con su cantata Sardanapale.
Trabajó como bibliotecario del Conservatorio de París desde 1838 e hizo varias
giras por Europa y Gran Bretaña como director de orquesta entre 1842 y 1854.
Entre 1835 y 1863 escribió críticas
musicales para el periódico Journal des Débats. Su figura fue muy influyente
durante todo el periodo romántico en distintos aspectos: la forma sinfónica, el
uso de la orquesta y las nuevas estéticas musicales. Para muchos, Berlioz
ejemplifica la imagen del compositor romántico como artista. Trabajó sin
descanso para divulgar la música de su tiempo. Al verse obligado a enseñar a
distintos grupos orquestales la técnica que requería el nuevo estilo, fue
maestro de toda una generación de músicos, y se convirtió en el primer director
de orquesta virtuoso.
OBRAS
1837 - Grande messe des morts, op. 5 1844 - Obertura El Corsario, op. 21 1846 - La condenación de Fausto 1849 - Te Deum, op. 22 1854 - La infancia de Cristo, op. 25 SINFONIAS 1830 - Sinfonía fantástica, op. 14 1840 - Gran Sinfonía fúnebre y triunfal, op. 15
OPERAS
Benvenuto Cellini (1838 - 10 de septiembre) Las Troyanas (1859 - 4 de noviembre) Beatriz y Benedicto (1862 - 9 de agosto)
SINFONIA FANTASTICA
Esta obra de Berlioz, en la primera mitad del siglo
XIX, es una de las sinfonías románticas mas importantes, ya que es antecedente
de los poemas sinfónicos de Liszt, Mahler, Tchaikovski y Richard Strauss, entre
otros.
La sinfonía
fantástica, op. 14, de Hector Berlioz, subtitulada episodio de la vida de un
artista, se estreno en Paris en 1830. Esta sinfonía rompió las fronteras del
lenguaje musical de su tiempo muchos sentidos. Se divide en cinco movimientos, en
lugar de los cuatro habituales, cada uno con un título referido a la escena que
lo inspira:Ensueños, pasiones, Un baile, Escena en el campo, Marcha al
suplicio y Sueño de una noche de aquelarre.
Además, cuenta con un programa detallado que describe un entorno literario
donde se desarrollan los acontecimientos musicales, inaugurando el género que
hoy se conoce como «música programática».
Como toda obra genuinamente romántica, la inspiración
de esta obra fue la pasión no correspondida que Berlioz sintió por una actriz
irlandesa, Harriet Smithson. El amor del músico protagonista se expresa mediante
una idea melódica fija que aparece bajo distintas formas, a la manera del leitmotivwagneriano, recurso
del que Berlioz fue un precursor.
La orquesta incluye campanas, címbalos,
tubas, dos arpas, y exige, al menos, cincuenta y cinco instrumentos de cuerda.
Esta Sinfonía
fantástica generada por esas
emociones fue considerada "asombrosa y vívida". En aquel momento la
naturaleza autobiográfica de esta obra de música
programática, que requería que los oyentes leyeran un folleto con su "argumento"
antes del concierto se consideró sensacional e innovadora. En 1830 el mismo año
del debut de la sinfonía Berlioz
ganó el Premio de Roma,
la beca más importante del mundo de la música.En su Sinfonía fantástica,
se inspiró en la obra de Thomas de Quincey, Confesiones de un inglés.
La música
de Italia abarca un amplio espectro de ópera y música
instrumental, los estilos tradicionales de cada
región del país, y un conjunto de música popular y romántica basada tanto en fuentes nativas como
extranjeras.
La música ha sido tradicionalmente una de las
características culturales de la identidad étnica y nacional de Italia, y mantiene un sitio relevante en
la sociedad y la política del país. Las innovaciones en la escala musical, la armonía, la notación y la música teatral, produjeron el desarrollo de la
ópera a finales del siglo XVI así como mucha de la música
clásica europea, incluyendo la sinfonía y el concierto.
En el caso particular de la ópera, debe resaltarse que
constituye parte fundamental de la cultura musical italiana, con influencias
que han alcanzado fuertemente a la música popular. La tradición de la canzone
napolitana y del cantautor representan estilos populares que además forman parte
importante de la industria musical italiana, junto a géneros importados como el jazz, la música rock y el hip hop.
La música folclórica italiana es primoridial en la herencia cultural del
país, y abarca un amplio conjunto de estilos regionales, danzas e instrumentos.
Tal como otros elementos de la cultura italiana, la música es generalmente ecléctica. No existieron en la práctica
movimientos proteccionistas para mantenerla libre de influencias foráneas, a
excepción quizá del movimiento fascista de la década de 1920.1 En consecuencia, la música
italiana ha tomado elementos de las varias culturas que dominaron o
influenciaron en el país, incluyendo la música de las tribus germánicas, la música árabe, la música griega, la francesa y la española.
Las contribuciones históricas del país en el campo de la música forman
parte del orgullo nacional. La relativamente reciente historia de Italia como
país unificado incluye el desarrollo de la tradición operística difundida
por todo el mundo. Incluso antes de la formación de Italia como nacíon, fue
cuna de importantes innovaciones en cuestiones como la notación musical y el canto gregoriano.
NICCOLÒ
PAGANINI
Compositor italiano y virtuoso del violín. Nació en Génova, donde
estudió con músicos locales. Hizo su primera aparición pública a los nueve años
y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece. No obstante,
hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. En 1801 compuso más de
veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a
1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa
de Lucca y hermana de Napoleón.
En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su
forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a
Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y
compositor húngaro Franz Liszt, que, fascinado por su técnica, desarrolló un
correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín.
Renunció a las giras en 1834. Su técnica asombraba tanto al público de la época
que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él. Podía
interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas
de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran
durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que
parecían varios los violines que sonaban. Esto indica lo cercano que estaba su
arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para
violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas.
OBRAS
1801-1807 - 24 caprichos para violín solo - nº 1 nº 18 nº 24 nº 3 1805 - 6 Sonatas violín y guitarra, op. 3 - nº 6 1813 - Le Streghe, op.8 1816 - Carnaval de Venecia 1817 - Concierto para violín y orquesta nº 1 - 3º Mov. 1826 - Concierto para violín y orquesta nº 2 - 3º Mov. 1826 - Concierto para violín y orquesta nº 3 - 2º Mov. 1828 - Centone di Sonate, Sonata I - Rodoncino 1830 - Concierto para violín y orquesta nº 4 - 1º Mov. 1830 - Concierto para violín y orquesta nº 5 - 2º Mov. 1830 -  Moto
perpetuo, op. 11 |
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martes, 4 de junio de 2013
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